На этом сайте Вы можете купить бетон от производителя!

Модерн отличительные черты

adk66.ru

На этом сайте Вы можете купить известняковый щебень с быстрой доставкой!

Начало 20 века. Новый стиль в Европе (модерн). Ранний функционализм (архитектура Чикаго, Веркбунд)

Модерн (фр. moderne — современный) — художественное направление в искусстве, архитектуре и дизайне, возникшее во второй половине XIX века — начале XX века в Европе как объединяющий различные направления передового искусства.

Отличительными особенностями стиля Модерн являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, “природных” линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Стиль Модерн стремится сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлекая в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Основной принцип стиля Модерн – динамическое равновесие, воплощенное в обтекаемых гибких формах. Мебель в стиле Модерн проста и функциональна. Корпусная мебель различного назначения – шкафы, комоды, полки – могла быть прямоугольной, но с обязательным “эстетством”: матовым остеклением, изящной фурнитурой. В изгибах подлокотников и рисунке ножек мягкой мебели также прослеживался намек на гнутые линии, зачастую каркасы повторяли переплетение ветвей растений, формы тел животных или насекомых.
Отделочные материалы декора – обои, текстиль, щедро украшались изображениями стилизованных цветов, листьев, птиц, насекомых.

Характерные черты стиля Модерн – волнообразно изогнутая линия, сочетающая веяния Востока и стремление к конструктивности. Причудливо изогнутые линии декора зрительно сливаются с элементами строительной конструкции. В интерьере, его отделке, большое внимание уделяется стилизованному растительному узору, гибким текучим формам, что превращало металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов. Стилистический диапазон искусства Модерна широк, в нем можно видеть смешение элементов разных стилей. Новые сочетания в декоре необычных материалов и техник – дерево, мозаика, керамическая плитка, бронза, камень, фарфор, витраж.

Интерьер стиля Модерн строится на полном неприятии прежних архитектонических принципов оформления внутреннего пространства. Стены помещений покрываются не образующими, казалось бы, никакой закономерности причудливыми, асимметричными формами, капризно извивающимися линиями. Потолки декорируются, как правило, плоскорельефной гипсовой пластикой, стены становятся более красочными, занавеси – более светлыми. Печать кажущегося произвола лежит и на формах мебели, окон, дверей. Стилизованный растительный орнамент в декоре Модерна доминирует в декоративном убранстве стульев и кресел, шкафов, витрин, остекленных гнутым стеклом, стеклянных абажуров, напоминающих формой чашечку цветка. В мебели стиля Модерн параллельно развиваются две линии: декоративная (капризные формы и контуры) и конструктивная (прямолинейность, ясное построение), причем последняя более характерна для немецких и английских изделий. Предметы, тяготеющие к конструктивной ясности линий и форм, более просты, элемент декора сведен в них к минимуму. Это направление полнее всего представлено в творчестве мебельных мастеров Римершмида и Панкока.
Перед стилем Модерн ставилась задача создания синтеза искусств, поэтому был необходим общий формальный язык, зрительно объединявший целые произведения и их части. Ярким примером синтетичности стиля Модерн может служить любой особняк, в котором начиная от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, светильников, лестниц и других составных элементов целого, решено в одном ключе. Основной выразительной формой и мотивом стиля Модерн стала линия, но не прямая, а гибкая, живая, прихотливая, изящная, одухотворенная. Язык искусства стиля Модерна – это абстрактные формы, но живые, органические, дышащие и растущие.

В интерьерах часто встречается свободная планировка, разные уровни пола, расширяются оконные проемы. Один из принципов работы над интерьером – импровизация на выбранную тему. Стены помещений покрываются причудливыми, ассиметричными, капризно извивающимися линиями; становятся красочными, потом часто декорируются плоскорельефной гипсовой пластикой. Стилизованный растительный орнамент Модерна доминирует в декоративном убранстве мебели (декоративная линия). Параллельно развивается конструктивная линия в мебели, где элемент декора сведен к минимуму. Цветовая гамма: приглушенные тона, расцветка без оттенков. Вычурные цветы (самыми популярные ирисы, водяные лилии) и насекомые (стрекозы, кузнечики, жуки) украшали не только ткани, но и обои, витражи окон (популярны большие окна-эркеры, а также стрельчатые окна, имитирующие готику).

Стиль Модерн в интерьере помещения поможет раскрыть утонченность и яркую индивидуальность владельца. Линии в Модерне изысканные, плавные и мягкие, напоминают растительный орнамент; ему присуще максимальное выявление фактуры и пластических возможностей материала.

Мебель в стиле Модерн отличается простотой форм и высокой функциональностью. Оригинальные мебельные решения легко вписываются в интерьер современного жилища, это может быть, например, кресло, сделанное из растянутой на металлическом каркасе кожи или ткани. Однако, развиваясь в разных странах, Модерн приобрел и другое направление в дизайне мебели. Здесь в мебели, как и в самом стиле Модерн, широко применяются растительные мотивы и плавные линии. Простой стул, например, может быть по форме похож на бутон цветка.

Стиль Модерн прекрасно применим и для современных интерьеров, их декора. Популярная сегодня корпусная мебель является прямым потомком конструктивных немецких и английских решений для мебели в стиле Модерн. Также стиль Модерн хорошо сочетается с использованием разнообразных материалов в отделке – сочетание металла, дерева, пластика и стекла – именно к этому стремились дизайнеры начала века.

Ранний американский функционализм. Чикагская архитектурная школа.Развитие промышленности в Америке началось значительно позже европейской.

Чикагская архитектурная школа

Изобретение парового лифта (первый образец был установлен в Нью-Йорке в 1857 г.), а вслед за ним и открытие электричества (1880 г.) практически решало проблемы подъема на большую высоту Сформировавшаяся в 80-х гг. XIX века свободная от европейских традиций Чикагская архитектурная школа демонстрировала решение функциональных и художественных задач в теснейшей связи с новейшими достижениями инженерии Луис Салливен (1856-1924 гг.). Получил образование в Соединенных штатах и в Европе. Поселившись в Чикаго, он разработал весьма своеобразную форму орнамента, уходящую корнями в готическое, нордическое, кельтское и греческое искусство. Фрэнк Ллойд Райт Особое место в становлении и развитии индустриального дизайна принадлежит общепризнанному патриарху американской архитектуры Франку Ллойду Райту, автору более сотни проектов жилых домов, ряда административных и общественных зданий, среди которых известный «Дом над водопадом» для Э.Кауфманна (1936) музей Гуггенхейма в Нью-Йорке (1943-1959 гг.). В Европе Америка воспринималась кузницей нового стиля «машинного века». Посетивший Америку в 1893 году австриец Адольф Лоос, пораженный мощью и необыкновенной красотой портовых кранов, автострад, зернохранилищ, вернулся в Европу убежденным рационалистом

Первоначальное безразличное отношение к машине и индустриализации сменилось широким их признанием. На рубеже XX в. в отсталой Германии, стране ремесленников и крестьян, происходят внезапные перемены. Вместе с Мутезиусом учредителями Веркбунда были также художники и архитекторы — Анри ван де Вельде, Петер Беренс, Карл Остхаус, либеральный политик Фридрих Науман, руководитель дрезденских мастерских Карл Шмидт. В1907 году в Мюнхене в целях повышения качества промышленной продукции при поддержке официальных кругов был создан Германский Веркбунд («производственный союз»), объединивший ряд художественно-промышленных мастерских, небольших производственных и торговых предприятий, художников и архитекторов. Машинный зал компании АЭГ, 1899 г.

Модерн (франц. moderne, лат. modernus — новый, современный) — это период развития европейского искусства на рубеже XIX-XX веков, который включал различные художественные течения и школы.
Основной целью модерна стало объединение в антиэклектическом движении — стремлении противопоставить свое творчество эклектизму предыдущего периода.
Модерн как течение существовал не долго, и имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х годов до 1914 года, то есть начала Первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы.
Отличительными особенностями модерна являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям, в особенности, в архитектуре, расцвет прикладного искусства.
Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

1. Зарождение и становление модерна как эпохи и стиля

В 1860-1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей.
Но уже в 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приемы.
Уильям Моррис (1834-1869) создавал предметы интерьера, вдохновленные растительными орнаментами, а Артур Макмердо (1851-1942) использовал элегантые, волнистые узоры в книжной графике.
Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста «Удар бича».
Так произошло зарождение стиля «модерн».
Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. Вследствие этого в этот период возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.
В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремесел» (1888) в Великобритании, «Объединенные художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремесел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Мир искусства» (1890) в России.
В каждой стране возникало свое наименование стиля: В Англии — «Модерн стайл» (новый стиль), в США — «Тиффани стайл» (по имени Луиса Комфорта Тиффани), во Франции — «Ар Нуво», в Германии — «югендстиль» (молодой стиль), в Австрии — «стиль Сецессион», в Италии — «стиль Либерти», в Испании — «модернизм».
Эстетика модерна развивала идеи символизма и эстетизма, «философии жизни» Ф. Ницше.
Модерн, по мысли ряда его теоретиков (бельгиец Х. К.ван де Велде, опиравшийся на социалистические утопии У.Морриса), должен был стать стилем жизни нового, формирующегося под его воздействием общества, создать вокруг человека цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду, выразить духовное содержание эпохи с помощью синтеза искусств, новых, нетрадиционных форм и приемов, современных материалов и конструкций.
Наиболее последовательно модерн осуществил свои принципы в узкой сфере архитектурных шедевров, принадлежащих частным лицам. Но в духе модерна, стремившегося стать универсальным стилем своего времени, строились и многочисленные деловые, промышленные и торговые здания, вокзалы, театры, мосты, доходные дома.
Модерн пытался преодолеть характерное для культуры XIX века противоречие между художественными и утилитарным началами, придать эстетический смысл новым функциям и конструктивным системам, приобщить к искусству все сферы жизни и сделать человека частицей художественного целого. Стремление изменить искусством мир в рамках капиталистического общества было глубоко утопичным. Практически же модерн явился первым относительно цельным стилем художественного оформления различных сфер жизни.
Модерн противопоставил эклектизму XIX века единство, органичность и свободу развития стилизованной, обобщенной, ритмически организованной формы, назначение которой — одухотворить материально-вещную среду, выразить тревожный, напряженный дух переломной эпохи.
Период становления модерна (рубеж XIX-ХХ веков) отмечен национально-романтическими увлечениями, интересом к средневековому и народному искусству. Для этого этапа характерно возникновение художественно-ремесленных мастерских (прообразами их были мастерские У. Морриса, 1861, и «Выставочное общество искусств и ремесел», 1888, в Великобритании), часто противопоставлявших себя капиталистической индустрии: «Объединенные художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремесел» (1899) в Германии; «Венские мастерские» (1903) в Австрии; мастерские в Абрамцеве (1882) и Талашкине (около 1900) в России.
Зрелый модерн (конец 1900-х и 1910-е годы) приобрел черты интернационального стиля, основанного на применении принципиально новых художественных форм.
Быстрому распространению модерна способствовали журналы «Revue blanche» (1891, Париж), «The Studio» (1893, Лондон), «The Yellow Book» (1894, Лондон), «Jugend» (1896, Мюнхен), «Deutsche Kunst und Dekoration» (1897, Дармштадт), «Ver Sacrum» (1898, Вена), «Мир искусства» (1898/99, Петербург).

В период модерна эстетика изогнутой линии, появившаяся еще в живописи французских постимпрессионистов, а затем усиленная восточными влияниями, приобрела конструктивный характер.
В работах художников все более стала прослеживается увлеченность не только искусством Востока и эстетикой изогнутых линий, но также и стремление к рациональности и конструктивности.
Особенно это заметно в постройке архитектора В. Орта — «Народном доме» в Брюсселе (1896-1898), в которой очень хорошо видны элементы конструктивизма. Сам В. Орта сказал: «Я хочу уже в фасаде выразить план и конструкцию здания так, как это делалось в готике, и, подобно готике, выявить материал, а природу — отобразить в стилизованном декоре».

Как видится, эти слова можно считать программой художественного синтеза — основной идеи искусства «стиля модерн».
В дальнейшем постройки Ф. Журдэна, например, магазин «Самаритэн» в Париже, появившийся в 1905 году, и произведения Э.-Ж. Гимара насыщены началом, превращающим металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов. Биоподобные, флореальные формы причудливых оград парижского метро, созданные по проекту Гимара, до такой степени отвечали вкусам нового стиля, что искусство Ар Нуво в Париже одно время называли «стилем метро», или «стилем Гимара».

В дальнейшем художественный стиль Ар Нуво эволюционировал. На первой стадии развития, согласно лозунгу, выдвинутому А.Ван де Велде: «Назад к природе», художники стремились освободиться от излишеств декора, свойственных эклектизму «викторианского стиля», Второго Ампира, Необарокко и «неоренессанса» середины XIX века.
На второй стадии архитекторы модерна переходили к целостному проектированию здания «изнутри наружу», тогда как ранее использовался противоположный метод отдельного оформления фасада по принципу «слоеного пирога». При этом возрождалась старая традиция, когда архитектор рисовал все «до последнего гвоздя»: от общего эскиза сооружения до рисунков дверных ручек, оконных переплетов, светильников и каминов.
Причем в качестве основного мотива мог быть выбран любой завиток или иной небольшой формальный элемент. Так, например, узор вентиляционной решетки мог стать доминантным мотивом, как эхо, повторяющимся в других формах и в композиции целого. Это придавало некоторую мистичность, загадочность и уберегало «стиль модерн» от излишней рациональности.
В 1890-1900-х годах интернациональными стали мотивы морской волны, вьющихся растений, цветов ирисов, лилий, цикламенов, а также рифмующихся с растительными формами лебединых шей, томных и бледных женских лиц — дев с длинными волнистыми волосами, извивами рук и струящимися складками одежд.
Поэты-символисты не заставили себя ждать, воспевая «бледный идеал» и сравнивая молодое искусство с критомикенским, этрусским, «пламенеющей готикой» средневековья и французским Рококо. Как и в эпоху Рококо, в моду входили бледные тона: серо-голубой, оливково-зеленый, «соломенный», палевый, бледно-розовый.
В 1900-1910-х гг., прежде всего в школе венского модерна — последователей архитектора О. Вагнера, использовались иные формы: прямые линии и углы, мотив «шахматной сетки».
В 1900 году в Вене, а затем в 1902-1903 годах в Москве с большим успехом прошла выставка шотландского художника Ч. Макинтоша. Под воздействием прямых линий мебели Макинтоша «флоралист» В. Орта заявил: «Я отошел от цветов и листьев и занялся стеблями и палками».
Выдающимся архитектором русского, московского Модерна был Федор Осипович Шехтель (1859-1926). Его архитектурный шедевр — особняк 3.Морозовой в Москве (1893-1896), в котором «готический зал» поражает ощущением подлинности средневековья. Панно в «готическом зале» созданы по рисункам М. А. Врубеля. Другие интерьеры оформлены в стилях Ампира и «четвертого рококо».

Следующее произведение Ф. Шехтеля — особняк С. Рябушинского в Москве (1900-1902), в котором «застывшая волна» лестницы особняка напоминает скульптуру, ее форма вызывает в воображении фантастическое чудовище, она изобразительна и абстрактна в одно и то же время. Невозможно сказать, где кончается конструкция и начинается декор, где плоскость стены переходит в рельеф, а рельеф — в скульптуру, витраж — в оконный переплет, а светильник — в перила лестницы. Орнаментально трактованная конструкция плавно перетекает в конструктивно трактованный орнамент; плоскость — в объем, а объем — в пространство. Это классика Модерна.

Стилистический диапазон искусства Модерна широк. Во многих петербургских зданиях «классического модерна» стиль не проявляется в «чистом виде». Например, в здании Витебского вокзала классическая колоннада дорического ордера сочетается с растительным орнаментом в стиле Ар Нуво и открытыми железными конструкциями. То же смешение элементов разных стилей можно видеть в зданиях Торгового дома братьев Елисеевых в Москве и Петербурге.

Для названий произведений искусства периода Модерна характерны экзотические определения: «павлиний глаз», «цвет красной парчи», «сине-зеленый атлас павлиньих перьев», «перламутр нежной ночи». Возрождались классические мотивы и материалы, а также редкие техники эмалирования, иризации и росписи стекла эмалями, краклэ — приемы венецианского стеклоделия эпохи Возрождения. Ювелирная отделка деталей, использование необычных материалов проникают в живопись.
Таково искусство Густава Климта (1862-1918) — австрийского живописца, театрального декоратора и художника-графика. Яркие синие, зеленые, красные цвета его картин, уплощенность рисунка, орнаментальность, необычная фактура из мелких квадратов и прямоугольников вызывают в памяти византийские мозаики и японскую графику. Г. Климт соединял живопись маслом с аппликацией и инкрустацией, введением в картину смальты, майолики, меди и латуни, полудрагоценных камней и даже кораллов.
В русском искусстве самым ярким представителем романтики периода Модерна был Михаил Александрович Врубель (1856-1910). Своеобразие врубелевской живописной манеры заключается в бесконечном дроблении формы на грани, как бы окрашенные изнутри светом и цветом, наподобие кристаллов или фантастических каменных цветов. Своего «Демона» Врубель изобразил среди таких фантастических растений-кристаллов. Закономерно обращение М.Врубеля, как и многих других мастеров Модерна, к керамике. Композицию «Принцесса Греза» художнику удалось реализовать в майоликовом панно на фасаде одного из лучших зданий московского Модерна — гостиницы «Метрополь».

Характерно новое обращение художников Модерна к «египетскому стилю». Как и в искусстве французского Ампира начала XIX века, мотивы Древнего Египта просто и естественно входили в архитектуру Модерна, подвергаясь легкой стилизации во вкусе времени. Другое течение национально-романтического направления представляет «северный модерн». Рационалистические тенденции и Неоклассицизм породили оригинальную «модернизированную классику».
В период Модерна не было создано единого исторического художественного стиля, обладающего необходимой целостностью формальных признаков. Поэтому под словом «модерн» следует понимать конкретный исторический период, включающий различные течения, школы и стили, связанные общими идеологическими устремлениями. Словосочетание «стиль модерна» конкретнее и обозначает отдельное стилистическое течение, в котором наиболее полно проявились идеи синтеза.

3. Отражение модерна в искусстве и культуре XIX-ХХ веков

В противоположность эклектизму с его интересом к достоверности воспроизведения отдельных деталей исторических и национальных стилей модерн хотел возродить дух стилевого единства художественных организмов, присущий средневековому или народному искусству, общность и взаимовлияние всех видов искусства. Это предопределило появление нового типа художника — универсала, соединившего в одном лице архитектора, графика, живописца, проектировщика бытовых вещей и часто теоретика.
Идея синтетического, цельного произведения искусства (Gesamtkunstwerk) ярче всего воплощена в архитектуре интерьеров, лучшие образцы которых отличаются ритмической согласованностью линий и тонов, единством деталей декора и обстановки (обои, мебель, лепнина, панели, арматура светильников), целостностью однородного перетекающего пространства, усложненного и расширенного зеркалами, многочисленными дверными и оконными проемами, живописными панно.
Архитектура модерна была первым шагом в архитектурном развитии ХХ века. Она искала единства конструктивного и художественного начал, вводила свободную, функционально обоснованную планировку, применяла каркасные конструкции, разнообразные, в том числе новые, строительные и отделочные материалы (железобетон, стекло, кованый металл, необработанный камень, изразцы, фанера, холст).
Свободно размещая в пространстве здания с различно оформленными фасадами, архитекторы модерна восставали против симметрии и регулярных норм градостроительства.
Богатейшие возможности формообразования, предоставленные новой техникой, они использовали для создания подчеркнуто индивидуализированного образного строя; здание и его конструктивные элементы получали декоративное и символически-образное осмысление.
Наряду со стремлением к необычным живописным эффектам, динамикой и текучей пластичностью масс, уподоблением архитектурных форм органическим природным явлениям (постройки А.Гауди в Испании, В.Орта и Х.К.ван де Велде в Бельгии, Ф. О. Шехтеля в России) существовала и рационалистическая тенденция: тяготение к геометрической правильности больших, спокойных плоскостей, к строгости, порой даже пуризму (ряд построек И.Хофмана, И.Ольбриха в Австрии, Ч.Р.Макинтоша в Шотландии, поздние работы Шехтеля).

Некоторые архитекторы начала ХХ века предвосхищали во многом функционализм, стремились выявить каркасную структуру здания, подчеркнуть тектонику масс и объемов (ряд построек О. Вагнера в Австрии, П. Беренса в Германии, О. и Г. Перре во Франции).
Основным средством выражения в стиле модерна является орнамент, который не только украшает произведение, но и формирует его композиционную структуру.
В интерьерах бельгийских архитекторов изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу и потолку, концентрируются в местах их сопряжения, объединяют архитектурные плоскости, активизируют пространство.
Бесконечно текущие, то плавно, то взволнованно извивающиеся, чувственно-сочные линии декора несут духовно-эмоциональный и символический смысл, сочетая изобразительное с отвлеченным, живое с неживым, одухотворенное с вещным.
У мастеров венского модерна — И. Хофмана, И. Ольбриха, — в работах шотландской группы «Четверо» во главе с Ч. Р. Макинтошем строго геометричный орнамент варьирует мотивы круга и квадрата.
Несмотря на провозглашенный отказ от подражания историческим стилям, художники модерна использовали линейный строй японской гравюры, стилизованные растительные узоры Эгейского искусства и готики, элементы декоративных композиций барокко, рококо, ампира.
Для модерна характерно взаимопроникновение станковых и декоративно-прикладных форм искусства. Орнамент модерна, во всех видах искусства структурно организующий плоскость, и своеобразный ритм его гибких линий сложились в графике. Литография, ксилография, искусство книги достигли в этот период высокого подъема.
Среди ведущих графиков модерна: англичанин О. Бердсли, немцы Т. Т. Хейне, Г. Фогелер, швейцарец Ф. Валлоттон, голландец Я. Тороп, норвежец Э. Мунк, в России — А. Н. Бенуа, К. А. Сомов; мастера плаката — французы А. Тулуз-Лотрек, Э. Грассе, чех А. Муха, австриец К. Мозер.
В живописи и скульптуре модерн, неразрывно связанный с символизмом, стремился создать самостоятельную художественную систему, но был вместе с тем своего рода переходом от традиционных форм XIX века к условному языку новейших европейских течений.
В этом важным импульсом послужила деятельность так называемой понт-авенской школы во главе с П. Гогеном. Картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, его пространственной и эмоциональной организации. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.
Характерно часто встречающееся в ней парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных ковровых фонов и вылепленных со скульптурной четкостью и осязаемостью фигур и лиц первого плана (Г. Климт в Австрии, Ф. Кнопф в Бельгии, М. А. Врубель в России).
Выразительность живописи достигалась сочетанием больших цветовых плоскостей (Л. С. Бакст в России, Э. Мунк в Норвегии), тонко нюансированной монохромией (Врубель, Бенуа).
Поэтика символизма обусловила интерес к символике линии и цвета, к темам мировой скорби, смерти, эротики, к миру тайны, сна, легенды, сказки.
Динамика и текучесть формы и силуэта характерны для скульптуры (бельгиец Ж. Минне, немец Г. Обрист) и для произведений декоративно-прикладного искусства, уподобляющихся феноменам природы с их органическими внутренними силами (керамические и железные изделия А. Гауди; металлические ограды метро Э. Гимара, стеклянные изделия Э.Галле, украшения Р. Лалика во Франции; стеклянные сосуды Л. К. Тиффани в США, мебель Х.ван де Велде); тяготение к конструктивности, чистоте линий, лаконизму форм проявилось в мебели Ч. Р. Макинтоша, И. Хофмана, И. А. Фомина.

Европейская культура XIX века является отражением тех противоречивых начал, которые являет собой развитое буржуазное общество, но, тем не менее, она не имеет себе равных по глубине проникновения в бытие и духовный мир человека по творческому напряжению в науке, литературе, философии и искусстве.
Перед стилем модерн ставилась задача создания синтеза искусств, поэтому был необходим общий формальный язык, зрительно объединявший целые произведения и их части.
Ярким примером синтетичности стиля модерн может служить любой особняк, в котором начиная от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, светильников, лестниц и других составных элементов целого, решено в одном ключе.
Основной выразительной формой и мотивом стиля модерн стала линия, но не прямая, а гибкая, живая, прихотливая, изящная, одухотворенная.
Язык искусства модерна — это абстрактные формы, но живые, органические, дышащие и растущие.
В период модерна происходило стремительное переосмысление старых и открытие новых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы.
Заложенные на рубеже веков основы модерна, выраженные в произведениях мастеров этого стиля, дали мощный импульс для его дальнейшего развития в ХХ веке.
До сих пор формы стиля модерн, даже растиражированные современными мастерами, неизменно привлекают внимание, так как человеческому глазу, уставшему от жестких прямых линий, углов и унылого облика современного окружения, хочется отдохнуть глядя на живые, изящные, красивые формы в стиле модерна.

Модерн(фр. modern — новый) — художественный стиль в искусстве, который возник на излете XIX века и царил вплоть до начала Первой Мировой войны. Его характерные черты — декоративность, плавность линий и округлость форм, их гибкость и текучесть. Также в модерне вы найдете обилие орнаментов и украшений, внимание к растительным, природным мотивам, а фигуры будут плоскими, как на плакатах и витражах.

Среди сюжетов в модерне, как и в символизме, в ходу аллегории и фантазии: дамы(даже реальные прообразы на портретах) олицетворяют богинь, а действо — словно декорация или застывшая сцена театральной пьесы, основанной на мифах и легендах, романтичных и мистических историях и фантазиях. Даже второстепенные детали картин порой имеют глубокое значение: узор из бутонов — символ новой жизни.

Рассуждая о модерне, в шутку и всерьез вспоминается реплика секретарши Верочки в кинофильме« Служебный роман»: «Видите эту, всю в пошлых розочках?» Типичный« модерновый» образ — томная красотка в струящемся наряде, в переплетениях ветвей, цветов и узоров словно из кельтской или греческой мифологии, с мотивами Ренессанса, готики, а то и в японском или египетском стиле. Вы вспомнили картины Альфонса Мухи и Густава Климта? Что ж, все верно!

Уникальность стиля модерн в том, что он охватывает всю сферу искусств: от изобразительного и декоративно-прикладного — до архитектуры. Лампы под зелеными абажурами с подставкой в виде девы в тунике, ювелирные шедевры с Синей Птицей в завиточках, стулья с витыми спинками, лики на фасадах домов в округлом плетении орнамента… Являясь во многом« сконстурированным» направлением, модерн был задуман творцами специально с намерениями сделать жизнь в искусстве красивее, чем в реальности. Да и обыденность под новые стандарты подтягивать: даешь среднему классу, потребителю появившихся на рынке« серийных» изделий производств, не хаос эклектики, а единый стиль и гармонию. Еще и на «природной» основе!

Модерн охватил практически одновременно разные страны, называясь по-разному и представляя ярких творцов: «сецессион»(Secessionsstil Австрия, Густав Климт), «тиффани»(США, Л. К. Тиффани — да-да, тот самый творец узорно-«витражных» абажуров), «ар-нуво»(art nouveau, Франция, Эктор Гимар), «Югендстиль»(Jugendstil Германия, по названию журнала 1896 г. р., Франц фон Штук) «модерн стайл»(modern style Англия, Одри Бердслей), «стиль либерти»(Италия), «модернизмо»(Испания, Антонио Гауди), «Nieuwe Kunst»(Нидерланды) и даже… «еловый стиль»(style sapin, Швейцария, Фердинанд Ходлер).

Стильное нашествие.

Впервые термин« ар-нуво» появился во французском журнале« Современное искусство»(«L»Art Moderne») в 1881 г. — речь шла о круге художников: А. Ван де Велде, В. Орта, Э. Грассе, Э. Гимаре.

Вообще, у французского« художественнного» ар-нуво — четкий… японский след! Художник и керамист Ф. Бракмон как-то в 1856 г. в магазине увидел японские цветные гравюры на дереве К. Хокусая — они предназначались для упаковки пачек чая. Бракмон хвастался своей находкой собратьям по цеху, привлекая внимание к пластике линий. Интерес поддержал открывшийся в Париже магазин немца-антиквара С. Бинга с массой китайских и японских вещиц и картин, да и сама Япония в то время провозгласила окончание эры затворничества и стала более открытой. И вскоре те, кого мы по привычке называем« импрессионистами», осваивали японский стиль. Эдгар Дега, Поль Гоген, Эдуард Мане, Анри де Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог взяли на вооружение изгибы, растительный декор и «плоские» контуры. А если вспомнить, что чешский художник Альфонс Муха в то же время учился в Париже, и, что интересно, делил квартиру с Ван Гогом — история модерна обретает новый поворот.

В Вене его осуществляет объединение творцов« Сецессион» с Густавом Книмтом(с 1897 г.), которые отрицали академичные каноны и устраивали свои выставки в специально выстроенном здании« Сецессиона».

Англия презентовала новый с тиль в издательском деле: в 1882 г. была организована« Гильдия века», издававшая журнал« Конек» с гравюрами С. Имейджа. В Америке в конце 1880-х начали всемирное шествие« красотки Гибсона»: рисунки Чарльз Дана Гибсона, публикующиеся в журнале« Life» определили стандарты новой-модерновой красоты.

В некоторых странах новый стиль характеризуют самостоятельные оригинальные творцы: Антонио Гауди в Испании, Станислав Выспианьский в Польше.

В России модерн — первый« буржуазный», купеческий стиль, с цитатами от Ренессанса до классицизма, щедро сдобренный символизмом и любованием природой, столь милой русской душе. Художники-эстеты объединения« Мир искусства» с Бенуа, Сомовым, Серебряковой, Бакстом, сказочники Васнецов и Билибин, мистик Врубель, портретист Серов, пейзажист Левитан — модерн в России многолик.

Художники стиля модерн:

Густав Климт, Альфонс Муха, Обри Бердслей, Уильям Брэдли, Уильям Моррис, Феликс Валлотон, Амадео Модильяни, Анри Руссо, Люсьен Леви-Дюрмэ, Морис Дени, Фердинанд Ходлер, Ян Тороп, Франц фон Штук, Макс Курцвайль, Станислав Виспианьский, Михаил Врубель, Виктор Васнецов, Константин Сомов, Константин Коровин, Зидаида Себерякова, Александр Бенуа, Михаил Нестеров, Валентир Серов, Мстислав Добужинский

Знаковые картины стиля модерн

Густав Климт — «Поцелуй» (Gustav Klimt, The Kiss(Lovers), 1908) — самая известная и очень характерная картина художника, имя которого ассоциируется со стилем модерн. Эта работа — последняя из серии« золотого периода» в творчестве Климта.

Альфонс Муха — «Жисмонда» (Alfons Mucha, Gismonda, 1894) — афиша для спектакля, изображающая Сару Бернар. С ее появлением чешский художник, живший в то время во Франции, становится невероятно популярным, а его работы олицетворяют стиль модерн.

Как и для любого мощного художественного движения, для экспрессионизма невозможно назвать точную дату или год рождения. Невозможно провести границу на карте и указать территорию, на которой экспрессионизм родился и окреп. Все приблизительно. Кроме одной железобетонной пространственно-временной характеристики: северная Европа накануне Первой мировой войны. Экспрессионизм – это авангардное художественное течение, новое трагическое мировоззрение и целый свод многозначительных мотивов, символов и мифов. И, кстати, это революционная реакция не только на поношенное, безжизненное традиционное академическое искусство, но и на светлую, идиллическую, южную импрессионистскую «видимость» мира.

Стиль развивался в первой четверти XX века преимущественно в Италии и России. Некоторые иронично называют его кубизмом со скандальным привкусом. Отцы-основатели призывали перестать преклоняться перед искусством прошлого, а возвеличивать промышленный дух будущего: рисовать самолеты, автомобили, металлические мосты, пароходы и другие достижения прогресса.

Сюрреализм — (от франц. Surrealisme)- течение в авангардном искусстве первой половины двадцатого века, характеризуемое слиянием реальности с чем-то другим, но не оппозиционным. Сюрреализм – это сон – он не реальный, но и не ирреальный. Для стиля характерны аллюзии и парадоксальное сочетание форм, визуальный обман. На полотнах сюрреалистов часто твердые предметы, камни растекаются, а вода наоборот – каменеет.

7, 327 млн. долл. за картину« Радуга» К. Сомова(аукцион Сhristie’s, 2007 г.). Это рекорд стоимости для полотна русской живописи на тот момент.

1, 47 млн. долл. за полотно Альфонса Мухи в 2006 г. на аукционе Сhristie’s, и около 200 тыс. долл. за его эскиз к картине« Заведение славянской литургии в Великой Моравии» из цикла« Славянская эпопея» — в 2013.

Вот так история!

Пятница, 30 Ноября 2007 г. 12:57 + в цитатник

МОДЕРН (от фр. moderne, — новый, современный) — наименование стиля, который получил широкое распространение в искусстве конца XIX начала XX веков, главным содержанием которого было стремление художников противопоставить свое творчество историзму и эклектизму искусства второй половины XIX столетия — отсюда и название.

Поэтому термин «модерн» следует отличать от общего смысла слова «современный» или «современное искусство», а также термина «модернизм» обозначающего все наиболее авангардистские, экспериментальные и формалистические течения в искусстве XX в.

Хронологические рамки искусства Модерна очень узки, всего каких-нибудь тридцать лет приблизительно 1886-1914 гг. Однако Модерн — это не один какой-либо стиль, множество различных стилей и течений составляющих период, может быть, не менее важный, чем эпоха Возрождения XVI в. Рубеж XIX-XX вв. имел «значение этап завершающего грандиозный цикл развития европейской культуры, начавшийся еще в античности.

Модерн — это сказочность, миф, мир иллюзий, быть может, чем-то похожий на эпоху Готики. Ведь Неоготика была одним из важных стилевых течений искусства Модерна. Идеалы Модерна не смогли реализоваться в сложную переходную эпоху конца XIX — начала XX вв. Они только отразились по-разному в его многообразных течениях. Эти течения были не только разными, но, подчас, взаимоисключающими, противоречивыми и, тем не менее, переплетающимися между собой: орнаментальное и конструктивное, «флореальное» и геометрическое, новаторское и ретроспективное, неоклассическое и неоготическое, индустриальное и кустарное.

Среди основных течений искусства Модерна обычно выделяют:
— флореальное, или «Ар Нуво»;
— неоромантическое (национально-романтическое);
— рациональное, или геометрическое;
— «неопластицизм», или «органическую архитектуру»;
— неоклассицизм.

Все течения искусства модерна объединяло общее, так называемое, мировоззрение «fin de siecle» – «конец века», отличавшееся, с одной стороны и растерянностью, духовной усталостью, кризисом идеалов, скептицизмом и самоиронией, а с другой – настоящими поисками нового большого стиля во всех сферах творческой жизни, стиранием границ между элитарным и массовым искусством.

Это приводило к двояким последствиям. Распространению мещанских вкусов, неимоверной пошлости, проникающей даже в творчество выдающихся художников, и утонченного символизма, мистики, изысканности изобразительных средств, ставших доступными потребителям искусства. Все это удивительным образом соединилось в Модерне и в целом выражалось в стремлении ко всему необычному, странному, фантастическому, иногда болезненному и отталкивающему.

Новое течение в искусстве, очень быстро завоевавшее практически весь мир, началось в 80-е годы XIX века одновременно в Англии, Германии, России, Австрии, Италии, Франции, Бельгии, Испании, Финляндии, Чехии, США.

В разных странах движение получило разные названия:
в России — «стиль модерн»,
в Германии, Швеции, Финляндии — «югендстиль»,
в Австрии — «сецессион»,
во Франции, Бельгии, Голландии, Англии, США — «ар нуво»,
в Италии — «либерти».

Несомненно, то, что предпринятая на рубеже веков попытка обобщения эстетического опыта человечества, синтеза художественных традиций Запада и Востока, античности и средневековья, классицизма и романтизма сопровождалась и, в известной мере, была порождена явлениями упадка, кризиса сложившейся к этому времени системы научных, эстетических и этических ценностей». В этих словах отражен созидательный пафос того времени.

Многим, вероятно, тогда казалось, что на их глазах создается совершенно новое искусство. «Мы гребень вставшей волны», — писал В. Брюсов. В период модерна происходило стремительное переосмысление старых и открытие новых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. Немецкое «Jahrhundertwende» — «поворот столетий», как подмечено А. Русаковой, лучше определяет содержание этого периода, чем традиционное французское выражение «fin de siecle» — «конец века».

Главным содержанием периода модерна стало стремление к синтезу различных источников, методов, стилей, форм и приемов. Поэтому Г. Стернин сделал логичное заключение, что «модерн как научный термин уместнее ставить в ряд не с чисто стилевыми категориями, а с таким историко-культурным понятием, как бидермейер. можно сказать, что бидермейер и модерн — это начало и конец целой исторической фазы романтизма».

Действительно, так же, как и в начале XX столетия, на рубеже веков преобладал идеализм, вера в то, что искусство может изменить жизнь. Однако художники модерна стали использовать в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусство этрусков и французского Рококо.

В сравнении с предыдущим периодом эклектики чаще применялся принцип формовычитания, а не формосложения, обеспечивающий целостность внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции.

Стремление к такой целостности и есть главное качество искусства модерна. В то же самое время многообразие художественных форм и различных композиционных приемов, сложность переходной эпохи, ее кратковременность не позволили принципу целостности реализоваться достаточно полно во всех произведениях. Поэтому в период модерна существовали разные стилистические течения. Во Франции: «флореальное», или Ар Нуво («Новое искусство»), в Австрии и Шотландии — геометрическое, в Германии близкое французскому Ар Нуво искусство именовали югендстилем, в Италии — либерти, в Польше — «сецессией». В России утвердился термин «модерн» (в западноевропейском искусствознании он не используется, обычно применяют название «Ар Нуво», а слово «модерн» означает просто современный, актуальный, передовой). Тем не менее, все эти термины — не синонимы, они имеют разный смысл.

Картина развития искусства в это время усложняется тем, что в период модерна существовали произведения не только в «стиле модерна». Продолжали создаваться композиции в духе Историзма и эклектики, стилизаций в русле национально-романтического движения. Так, с 1895 г. в Лондоне по проекту архитектора Джона Бентли (1839-1902) возводился грандиозный католический Вестминстерский собор. Он строился в «византийском стиле», по образцу церквей в Константинополе и Равенне, украшался цветными мраморами и мозаиками. Столь необычное сооружение относят к течению «византийского возрождения» конца XIX — начала XX вв. Однако особенности трактовки форм, нюансы силуэта и внутренний декор демонстрируют новые — «модерные» черты, отсутствовавшие в стилизациях середины XIX в. Культ изогнутой линии, натуралистичность мозаичных изображений, стремление к синтезу разнохарактерных элементов отличают также архитектуру «романского возрождения» конца XIX в. в Западной Европе и США. Об утопичности возрождения старых форм в период модерна напоминает незавершенность Вестминстерского собора. В интерьере мозаики покрывают только нижнюю часть стен, своды остались необлицованными и зияют неприятной чернотой. Постройка оказалась слишком дорогой, а создатель храма Дж. Бентли скончался от сердечного приступа, не увидев окончания работ.

В начале XX в. в архитектуре возрождалось неоклассическое течение, и зарождался конструктивизм. Эти течения взаимодействовали между собой. Поэтому, к примеру, Неорококо, Неоготика, Неоклассицизм, «мавританский стиль», неорусский стиль или конструктивизм периода модерна отличны от стилей под тождественными названиями других исторических периодов. В связи с этим возникает проблема отделения понятий периода модерна от «стиля модерна»: второе понятие уже первого. Под «стилем модерна» понимают одно из наиболее ярких художественных явлений рубежа веков — флореальное течение, зародившееся в Бельгии и Франции и потому более известное в Европе под французским названием. Характерный признак произведений, выполненных в этом стиле, — волнообразно изогнутая линия. Отсюда название: орнаментально-декоративное течение. Последнее, однако, менее удачно, поскольку при явной, демонстративной декоративности произведения в стиле Ар Нуво не представляют собой внешнее украшательство, что типично для произведений предыдущего периода эклектики.

Эстетика изогнутой линии, родившаяся в живописи французских постимпрессионистов, а затем усиленная восточными влияниями, приобрела в период модерна конструктивный характер. Истоки этой метаморфозы следует искать в английском искусстве. Развивая идеи, заложенные Дж. Раскиным и У. Моррисом в движении «Искусства и ремесла», английские художники А. Макмардо, С. Имейдж, У. Крэйн, архитекторы Ф. Уэбб и Н. Шоу в 1882 г. создали студию «Гильдия века». В работах художников студии прослеживается увлеченность искусством Востока и эстетикой изогнутых линий, но также стремление к рациональности и конструктивности.

В 1892 г. бельгийский живописец Анри Ван де Велде (1863-1957), увлекавшийся живописью Ж. Сера, отрекся от «фигуративного искусства» и обратился сначала к абстрактному творчеству, а затем к орнаментике волнообразно изогнутых линий. В 1893 г. бельгийский архитектор Виктор Орта (1861-1947) создал знаменитый интерьер особняка Тассель, в котором причудливо изогнутые линии декора зрительно сливаются с элементами строительной конструкции: конструкция плавно переходит в форму, а форма — в декор на плоскости или изогнутых поверхностях. «Новый стиль» развивался столь интенсивно, что уже в следующей постройке В. Орта — «Народном доме» в Брюсселе (1896-1898) — заметнее становятся элементы конструктивизма. Свое кредо архитектор определил следующим образом: «Я хочу уже в фасаде выразить план и конструкцию здания так, как это делалось в готике, и, подобно готике, выявить материал, а природу — отобразить в стилизованном декоре». Эти слова можно считать программой художественного синтеза — основной идеи искусства «стиля модерн». Эта идея пронизывала собой все виды искусства. Поэтому даже отвлеченная декоративная композиция с изображением петлеобразно изогнутого стебля цикламена на шпалере X. Обриста (1895) — линии, названной критиками «ударом бича», — кажется полной напряжения, скрытой конструктивной основы.

На этом сайте Вы можете купить гранитный щебень с быстрой доставкой!

В постройках Ф. Журдэна (магазин «Самаритэн» в Париже, 1905) и особенно в произведениях Э. Ж. Гимара характерно «органогенное» начало, превращающее металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов. Биоподобные, флореальные формы причудливых оград парижского метро, созданные по проекту Гимара, до такой степени отвечали вкусам нового стиля, что искусство Ар Нуво в Париже одно время называли «стилем метро», или «стилем Гимара». Вершин фантасмагории эта тенденция достигла в творчестве испанца А. Гауди. Интересно также сравнить «стиль Гимара» с флореальными мотивами неорусского стиля этого периода.

Художественный стиль Ар Нуво эволюционировал. На первой стадии развития, согласно лозунгу, выдвинутому А. Ван де Велде: «Назад к природе», художники стремились освободиться от излишеств декора, свойственных эклектизму «викторианского стиля», Второго Ампира, Необарокко и «неоренессанса» середины XIX в. На второй стадии архитекторы модерна переходили к целостному проектированию здания «изнутри наружу» (ранее господствовал противоположный метод отдельного оформления фасада по принципу «слоеного пирога»). При этом возрождалась старая традиция, когда архитектор рисовал все «до последнего гвоздя»: от общего эскиза сооружения до рисунков дверных ручек, оконных переплетов, светильников и каминов. Причем в качестве основного мотива мог быть выбран любой завиток или иной небольшой формальный элемент. Так, например, узор вентиляционной решетки мог стать доминантным мотивом, как эхо, повторяющимся в других формах и в композиции целого. Это придавало некоторую мистичность, загадочность и уберегало «стиль модерн» от излишней рациональности.

В 1890-1900-х гг. интернациональными стали мотивы морской волны, вьющихся растений, цветов ирисов, лилий, цикламенов, а также рифмующихся с растительными формами лебединых шей, томных и бледных женских лиц — дев с длинными волнистыми волосами, извивами рук и струящимися складками одежд. Поэты-символисты не заставили себя ждать, воспевая «бледный идеал» и сравнивая молодое искусство с крито-микенским, этрусским, «пламенеющей готикой» средневековья и французским Рококо. Как и в эпоху Рококо, в моду входили бледные тона: серо-голубой, оливково-зеленый, «соломенный», палевый, бледно-розовый.

В 1900-1910-х гг., прежде всего в школе венского модерна — последователей архитектора О. Вагнера, использовались иные формы: прямые линии и углы, мотив «шахматной сетки». За пристрастие к этим формам австрийского архитектора И. Хоффманна (1870-1956) прозвали «дощатым», или «квадратным Хоффманном». В 1900 г. в Вене, а затем в 1902-1903 гг. в Москве с большим успехом прошла выставка шотландского художника Ч. Макинтоша. Под воздействием прямых линий мебели Макинтоша «флоралист» В. Орта заявил: «Я отошел от цветов и листьев и занялся стеблями и палками».

Выдающимся архитектором русского, московского модерна был Федор Осипович Шехтель (1859-1926). Художник-эрудит, поэт и романтик, Шехтель использовал приемы стилизации. Его первый архитектурный шедевр — особняк 3. Морозовой в Москве (1893-1896). «Готический зал» особняка поражает ощущением подлинности средневековья. Панно в «готическом зале» созданы по рисункам М. А. Врубеля. Другие интерьеры оформлены в стилях Ампира и «четвертого рококо». Следующее произведение Ф. Шехтеля — особняк С. Рябушинского в Москве (1900-1902) -демонстрирует новую пластику, подобную французскому Ар Нуво. «Застывшая волна» лестницы особняка С. Рябушинского напоминает скульптуру, ее форма вызывает в воображении фантастическое чудовище, она изобразительна и абстрактна в одно и то же время. Невозможно сказать, где кончается конструкция и начинается декор, где плоскость стены переходит в рельеф, а рельеф — в скульптуру, витраж — в оконный переплет, а светильник — в перила лестницы. Орнаментально трактованная конструкция плавно перетекает в конструктивно трактованный орнамент; плоскость — в объем, а объем — в пространство. Это классика модерна. Последующие работы Ф. Шехтеля в Москве демонстрируют влияние венской школы О. Вагнера. Таков стиль Московского Художественного театра — разработанный Шехтелем проект здания, его интерьеров, рисунок занавеса, включая «чеховскую чайку», светильники, геометрический орнамент, напоминающий античный меандр. Свой особняк Ф. Шехтель построил в неоклассическом стиле.

Стилистический диапазон искусства модерна широк. Во многих петербургских зданиях «классического модерна» стиль не проявляется в «чистом виде». Например, в здании Витебского вокзала классическая колоннада дорического ордера сочетается с растительным орнаментом в стиле Ар Нуво и открытыми железными конструкциями. То же смешение элементов разных стилей можно видеть в зданиях Торгового дома братьев Елисеевых в Москве и Петербурге. Однако подобные соединения разнородных элементов не создают эклектического впечатления. Напротив, вызывают ощущение целостности, поскольку пронизаны динамичным единым формообразующим началом.

Характерна асимметрия фасадов зданий модерна. В отличие от внешней, формальной схемы Классицизма такая асимметрия проистекает от органичного движения объемов «изнутри наружу».

Происходившее в период модерна интенсивное расширение аудитории — заказчиков, потребителей искусства привело к двояким последствиям. С одной стороны — к проникновению утонченной эстетики, идей символизма и изысканной поэзии в дотоле оторванные от высокого искусства сферы материального производства: изделия декоративного и прикладного искусства, ювелирные украшения, жилой интерьер, моделирование одежды. С другой стороны, мещанские вкусы, коммерческий интерес, пошлость обыденной жизни и проза развивавшегося капитализма стали оказывать сильное давление на художников, которые откликнулись огромным количеством произведений, сделанных в угоду примитивному вкусу. В частности, для живописи модерна характерен эклектичный прием соединения фантастических и натуралистичных элементов.

«Прекрасная эпоха» (франц. Belle Epoque) оказывается при ближайшем рассмотрении не такой уж прекрасной. Боясь потонуть в пошлости обыденной, художники выдвинули утопическую идею панэстетизма, заключающуюся в том, что этику можно преодолеть эстетикой и с помощью высокого искусства оказаться «по ту сторону добра и зла». Мечта о тотальной эстетизации, растворении жизни в искусстве овладевала умами писателей и художников. Эти идеи, в частности, нашли отражение в статье В. Розанова «Эстетическое понимание истории» (1892).

Исследователи искусства Модерна отмечают параллели в символистской поэзии и причудливых образах изобразительного искусства. К примеру, фантастические цветы в стекле Э. Галле и ювелирных изделиях Р. Лалика кажутся иллюстрациями к «Озарениям» («Illuminations») А. Рембо: О, потаенные самоцветы — раскрывшиеся цветы! . Цветы, что растут лишь,во снах, Распускаясь, звенят и сияют. Наготу осеняют, пронзают и скрывают радуги, травы, море. (1872-1874)

В 1891 г. знаменитая актриса Сара Бернар заказала ювелиру Рене Лалику (1860-1945) парюру (комплект украшений). Французский мастер использовал стилизованные природные формы, сочетания золота, «оконной эмали», янтаря, слоновой кости, бриллиантов, серебра, алюминия и простого стекла. В особо торжественных случаях С. Бернар любила показываться в украшениях работы Р. Лалика «стрекоза» и «клубок змей». В 1898 г. коллекционер и меценат К. Гульбенкян познакомился с ювелиром и предложил ему собрать музей собственных произведений. Такой музей был создан в Лиссабоне, он представляет собой одну из самых фантастических коллекций в мире.

Для названий произведений искусства периода модерна характерны экзотические определения: «павлиний глаз», «цвет красной парчи», «сине-зеленый атлас павлиньих перьев», «перламутр нежной ночи». Возрождались классические мотивы и материалы, а также редкие техники эмалирования, иризации и росписи стекла эмалями, краклэ — приемы венецианского стеклоделия эпохи Возрождения. Отсюда термин «венецианское возрождение» (англ. «Venetian revival»).

Ювелирная отделка деталей, использование необычных материалов проникают в живопись. Таково искусство Густава Климта (1862-1918) — австрийского живописца, театрального декоратора и художника-графика. Двойственность отличает искусство английского художника Обри Бёрдсли (1872-1898). Изысканный эстетизм странным образом соединяется в его произведениях с дилетантизмом и порочным вкусом на грани порнографии.

В русском искусстве самым ярким представителем романтики периода модерна был Михаил Александрович Врубель (1856-1910) гениально одаренный художник польского происхождения (польск. wrobel — воробей). Как подлинный романтик он ощущал прошлое живым, настоящим. По воспоминаниям соучеников, Врубель слыл «чужаком» в классах петербургской Академии художеств и по-настоящему учился у любимых им мастеров Византии, иконописцев итало-критской школы и мозаичистов собора Сан Марко в Венеции. Врубель любил заходить в ломбард и любоваться игрой драгоценных камней, пересыпая их из одной ладони в другую. «Его искусство — одно из лучших выражений той влюбленности в странное, которая охватила людей в конце XIX века». В творчестве Врубеля соединяются экспрессия, фантастика, магия формы, эстетизм, любовь к сказочным сюжетам. Свою жену, певицу Н. И. Забелу, художник изобразил в образе царевны Волховы из оперы Н. Римского-Корсакова «Садко» (словенск. volhva — нимфа р. Волхов).

Сказочная живопись жемчужных и радужных, опаловых красок, по словам художника, возникла под влиянием музыки, в которой он «слышал море» и «видел фантастические тона». Своеобразие врубелевской живописной манеры заключается в бесконечном дроблении формы на грани, как бы окрашенные изнутри светом и цветом, наподобие кристаллов или фантастических каменных цветов. Своего «Демона» Врубель изобразил среди таких фантастических растений-кристаллов. Закономерно обращение М. Врубеля, как и многих других мастеров модерна, к керамике. Композицию «Принцесса Грёза» художнику удалось реализовать в майоликовом панно на фасаде одного из лучших зданий московского модерна — гостиницы «Метрополь» (проект архитектора В. Валькота; 1898-1903).

Ярчайшим выражением стремления к синтезу разных видов искусства и преодоления границ отдельных методов, жанров, стилей являются творчество художников объединения «Мир искусства» и знаменитые «дягилевские сезоны» в Париже. Национально-романтическое движение вновь проявилось в России в деятельности мастеров абрамцевского кружка и усадьбы Талашкино. Причем в работах мастеров неорусского стиля национальные темы, сюжеты и формы соединялись с приемами стилизации, выработанными в искусстве западноевропейского модерна. Характерно новое обращение художников модерна к «египетскому стилю». Как и в искусстве французского Ампира начала XIX в. (сравн. шинуазри в искусстве Рококо), мотивы Древнего Египта просто и естественно входили в архитектуру модерна, подвергаясь легкой стилизации во вкусе времени.

Другое течение национально-романтического направления представляет «северный модерн». Рационалистические тенденции и Неоклассицизм породили оригинальную «модернизированную классику». В эти же годы создавали свои лучшие творения приверженцы «чистой классики», стилизаторы И. Фомин, А. Таманян, И. Жолтовский, В. Щуко.

Зарождалось конструктивистское течение. Последнее, по мнению многих исследователей, свидетельствует о том, что искусство модерна к началу XX в. завершило не только собственный цикл развития, но и вообще классическую эпоху европейского искусства. Модерн уже в то время называли «последней фазой искусства прошлого века. вздохом умирающего столетия». В истории искусства модерн так и остался «переходным периодом». Однако отказ от идей художественного преображения жизни привел в последующем к отказу от художественности вообще и появлению авангардистских течений конструктивизма, функционализма, абстрактивизма, футуризма.

Перед стилем модерн ставилась задача создания синтеза искусств, поэтому был необходим общий формальный язык. Ярким примером синтетичности стиля модерн может служить любой особняк, в котором начиная от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, светильников, лестниц и других составных элементов целого, решено в одном ключе. Основной выразительной формой и мотивом стиля модерн стала линия, но не прямая, а гибкая, живая, прихотливая, изящная, одухотворенная. Язык искусства модерна — это абстрактные формы, но живые, органические, дышащие и растущие.

Считается, что стиль модерн начинается с конца 80-90-х годов XIX века. Начать разговор об этом удивительно ярком этапе мирового искусства стоит с построенного в 1859 г. по проекту Филипа Уэбба в Бексли-хис (недалеко от Лондона) Красного Дома — это простое, незамысловатое здание, добротное и лишенное претенциозности.

Сооружение лишено привычной для середины XIX века фасадности и симметрии. Живописная композиция простых и ясных объемов отражает внутреннее устройство Дома. Такое развитие зданий изнутри наружу станет одной из самых существенных черт архитектуры модерна. Внешняя отделка стен Красного Дома чрезвычайно скромна. С каким-то особым чувством достоинства архитектор оставляет суровые кирпичные стены неоштукатуренными, находя красоту в «правдивости» материала.

Занимаясь отделкой интерьеров, Уэбб с Моррисом и друзьями исходили из соображений красоты, удобства, разумности, правдивости. Они сами делали мебель для Дома. Это была попытка создать сооружение, объединяющее под сенью архитектуры все виды искусства — живопись, скульптуру, различные виды декоративно-прикладного искусства, создать фрагмент гармоничной среды, с помощью красоты которого облагородит и стиль жизни. Эта эстетическая утопия, начавшаяся в Красном Доме, надолго завладела умами архитекторов.

Одним из истоков стиля модерн стал эстетизм конца XIX века. В начале 1890 г. модерн предстал в своем концентрированном виде в постройках Виктора Орта в Брюсселе дом Эствельде (1895), дом Сольвей (1895-1900) и в экспериментальном собственном доме бельгийца Анри Ван де Вельде — особняке Блуменверф (1893-1895) в Эккле, недалеко от Брюсселя.

Что бы ни проектировали архитекторы стиля модерн, они начинали изнутри, от наиболее оптимального, удобного расположения внутренних помещений в соответствии с их функциональным назначением. Именно отсюда начинается современное искусство дизайна интерьеров.

Ярким примером модерна мог бы быть Главный почтамт в Москве, замечательные здания — Ярославского вокзала, построенного Ф. Шехтелем, и Казанского вокзала — архитектора А. Щусева. Эти постройки, образный строй которых настраивает человека на путешествие.

Для этого привлекаются всевозможные художественные средства, как архитектурные — силуэт, композиция объемов, форма крыши, декоративные детали, так и живописные — цвет внешних стен и деталей, мозаика на фасаде и в интерьере, и т.д.

Памятники стиля модерн достаточно легко узнаваемы. Это, прежде всего, живая, динамичная масса, свободное, подвижное пространство и удивительный причудливый орнамент, основной темой которого становится линия, напоминающая то плетущуюся лиану, то набегающую волну. Линия, как говорили мастера того времени, «становится духовно несущей», исполняя роль основного выразительного элемента, объединяющего общим мотивом и ритмом все составные элементы целого. Но архитекторы модерна никогда точно не цитируют природу, созданные ими формы совершенно абстрактны, придуманы, однако наделены такой мощной динамикой, что кажутся живыми. В этом смысле наиболее яркими примерами могут служить постройки Антонио Гауди в Барселоне, такие как Каза Мила, Каза Баттло или ворота, павильоны и другие сооружения в Парке Гюэль.

Зелень, вода, павильоны, башни, колонный зал — создают ощущение сказки, в которую попадает посетитель. Драконы, чудовища, блестящие на солнце изразцовыми поверхностями, обилие цветных мозаик — создают необычайно богатые живописные эффекты.

Самыми интересными образцами московского модерна, безусловно, считаются особняки Рябушинского и Дерожинской, построенные Ф. Шехтелем. Все в этих сооружениях, до последней лампы и дверной ручки, создано по проекту гениального архитектора. Огромную выразительную силу имеет чугунная решетка, которая готовит к восприятию беспокойных живых масс здания.

В своем романтическом порыве архитекторы модерна часто обращались за вдохновением и формами к своему национальному прошлому, создавая яркие архитектурные образы. Характерными примерами подобного подхода могут служить здание Третьяковской галереи, построенной по проекту художника В. Васнецова, и доходный дом Перцова, построенный по проекту С. Малютина.

Скандалы, протесты и дикие дискуссии сопровождали рождение нового стиля, который имеет полное право называться стилем, так как своим универсальным художественным рядом он охватил все разнообразные проявления современной жизни — от монументальной архитектуры, через городские здания, живопись, скульптуру, до всех видов прикладного искусства. Он проник в литературу, театр, танцы, музыку, овладел модой на одежду, прически и даже нашел отражение в жестах и формах общения людей. Он как будто бы вырастал прямо изо всех жизненных интересов людей своего времени.

Его называют по-разному — в Чехии наиболее распространено название secese. Это название первоначально получило движение протеста современных художников, которые совершили отход (secessio) от старых закоснелых художественных обществ академиков и консерваторов и основали новые общества. Например, в Париже они выступили против так называемых Салонов, в которых художники ежегодно устраивали выставки под покровительством государства.

В Мюнхене первые шаги в этом направлении осуществила группа молодых художников в 1892 г., издав Memorandum des Vereines bildender Kunstler (Secession) Munchens воспринятую вначале прежде всего как де кларацию морального возрождения. В 1898 г было основано модернистское общество Е Берлине, а в 1897 г. Густав Климт основал подобное общество в Вене и впервые соединил его назначение с понятием нового стиля.

Название Jugendstil возникло в связи с на званием мюнхенского литературно-художественного журнала «Jugend», вокруг которого объединялось молодое поколение. Понятие Jugendstil вначале относилось только к художественным ремеслам.

Во Франции новое движение распространялось под названием Art Nouveau, которое оно получило по названию одного из магазинов художественных изделий; английский синоним этого названия — Modern Style. Ряд других названий, которые получил новый стиль — стиль Liberty, стиль Metro, или, по именам художников, стиль Орта, и, наконец, стиль Мухи — лишь подчеркивал его широкое распространение и популярность.

«Я хочу искусства, хочу формы, гармонии и линии» — провозгласил один из основоположников модерна архитектор Генри Ван де Вельде. Так он выразил основную тенденцию стиля, влечение к орнаментальности, которая не только имела функцию украшения, но и становилась самой сущностью нового искусства.

Новый стиль характеризуют в основном волнистые кривые линии, которые выражают динамику в плоскости. Ни одного резкого движения, наоборот, движение спокойное, легко текущее. В формах — подчеркнутая асимметрия. Путем наблюдения природы художники-модернисты стремятся преодолеть сложившийся канон растительных и звериных мотивов исторических стилей. Листья, цветы, стволы и стебли, так же как и контуры тела человека или животного с присущей им асимметрией являются руководством к действию и источником вдохновения. С особым увлечением художники-модернисты выводят кривые, форма которых переходит от вогнутой к выпуклой.

От первоначального копирования художники все больше и больше переходят к стилизации — в этом смысле модерн пронизывает все аспекты жизни, а в изобразительном искусстве становится основой новой абстракции формы. Однако, если в прошлые времена формы были твердыми и тяжеловесными, то модерн повсюду способствует распространению форм легких, мягких и нежных. Его наступление не ограничилось только направлениями чистого искусства — живописью и скульптурой, — но распространилось и на декоративное искусство — архитектуру, прикладное искусство, графику. Исчезают границы между отдельными видами искусства, так как все подчиняется господству орнамента. Здание или интерьер рассматриваются как единое целое вплоть до последней детали.

Линеаризм проник также и в область творчества, которая имеет дело с пространством, т.е. в архитектуру. Технические предпосылки этому создали стальные конструкции, с помощью которых в плоскости можно создать линейный скелет. Однако он рассматривается прежде всего как орнамент, а не выполняет функции по прямому назначению. Своей субтильной структурой он напоминает скорее лист либо крыло насекомого.

Модерн предпочитает скрыть вид материала, не позволяет использовать его в исходном состоянии, обращается с ним как с нейтральной пластической массой. Дерево должно быть не деревом, а материалом вообще, способным к различным метаморфозам. Аналогично и металл превращается в податливый материал — в лист, цветок или ствол без более строго уточнения.

Чем неопределеннее форма из мира природы, тем ближе она духу художника-модерниста. Медуза в элегантности своих движений или амеба в изменчивости своей орнаментальной формы и неопределенности вещества, из которого она состоит, могли бы быть идеалом. Наиболее любимыми образами птиц становятся лебедь и павлин, а наиболее часто используемыми образами растений — бессмертник, кувшинка, полевой мак или камыш.

Быстрому распространению модерна помогло сближение изобразительного искусства с литературой, а также то, что многие художники публиковали теоретические работы. Выходило небывалое множество журналов и ревю в области искусства, которые пропагандировали стиль модерн. Кроме мюнхенского журнала «Jugend» назовем, по крайней мере те, которые были связаны с изобразительным искусством и проявляли особое внимание к художественным ремеслам. К таким журналам относились «The Studio» в Англии, «Van Nu an Straks» в Бельгии, «Art et Decoration» во Франции, «Ver Sacrum» в Вене, «Мир искусства» в России, «Juventut» в Барселоне и, наконец, «Volne srnery» в Праге.

Развитию нового стиля способствовали музеи художественных ремесел, школы и выставки. Наиболее известный из них — английский South Kensington Museum в Лондоне был основан специально для экспонирования выдающихся произведений художественных ремесел всех времен и народов. Он служил образцом для остальных, которые создавались по его примеру в Париже, Гамбурге, Берлине, Мюнхене, Вене и Праге.

Искусство модерна, сосредоточив свои интересы на художественных ремеслах, предоставило исторический шанс и кузнечному делу, которое еще в период зарождения нового стиля дало миру вообще одно из первых произведений этого направления. Оно возникло не в Англии, которую считают колыбелью модерна, а в Испании. Создателем его был сын кузнеца из Реуса и один из знаменитейших и наиболее ярких гениев архитектуры Антона Гауди и Коронето. По его проекту и вероятно при значительном вкладе труда его рук еще в 70-х годах XIX в. была создана решетка, ограждающая Каса Винценс в Барселоне. И последующие ранние произведения архитектуры, созданные Гауди в Барселоне, например Палау Гюэль, Каса Батло или Каса Милла, знамениты деталями, находящимися в тесном единстве со всем ансамблем здания; значительная часть этих деталей кованые.

Если мы назовем имена только тех наиболее крупных художников, которые ознаменовали своими работами формирование стиля модерн в художественной ковке и при этом будем иметь в виду, что, выделяя их, мы поступаем вопреки духу модернистского художественного универсализма, то во главе их будет стоять имя бельгийского архитектора Виктора Орта. Он, прославился проектом здания Maison Tassel, построенного в 1892 г. Это здание принято считать первой работой в стиле модерн. Главную лестницу Орта создал в виде художественного ансамбля, который с позиций архитектуры и орнамента вырастает из единого мотива. При последовательном использовании идеи так называемого Gesamt-kunstwerk, заключающейся в стремлении к полному единству всех выразительных художественных средств, Орта делает железо первостепенным материалом, придавая ему функции структурные и экспрессивные. В этом направлении его вдохновляли инженерные работы Гюстава Эйффеля и проекты Виолета ле Дюка. Виктор Орта в интересах единства произведения рассматривает сталь в своих орнаментальных фантазиях как единое целое. Он не делает различия между литыми и коваными изделиями точно так же, как и между стеклом, кладкой и обоями.

И в последующей работе — здании Отель Сольвей на авеню Луизы в Брюсселе — преобладает металл. Орта позволяет ему свободно звенеть и создает из него основной элемент орнаментов, повторяющихся в стекле, усиленном мраморе и дереве, ониксе и других материалах. Французским единомышленником Орта был Эктор Гимар. И хотя работы Гимара были большей частью реализованы в литье и предназначались прежде всего для широких потребностей парижских улиц, нельзя в связи с этим не упомянуть о его весьма выразительном творчестве. Уличные фонари, перила и порталы станций метро — все эти формы способствовали расширению выразительных возможностей искусства модерна, усилению акцента на абстракцию. Однако его работы имеют характер скорее инженерный и декоративный, нежели архитектонический. Сам он называл свои работы l»architecte d»art.

В Германии в то время работал Генри Ван де Вельде, который был прототипом универсального художника, идеального для стиля модерн. Он работал во всех областях художественных ремесел, создавал эскизы фонарей, ювелирных изделий, посуды, инструмента, шрифтов, афиш, орнаментов для материи, ковров, мебели, книжные иллюстрации, архитектурные проекты. Он также рассматривал отдельное изделие как часть единого ансамбля, который, будучи создан из деталей, может своим ритмом в стиле модерн создать законченное впечатление. В Германии он получил известность благодаря Дрезденской выставке, организованной в 1897 г.; после этого он работал главным образом в Берлине.

Наиболее известным мастером прикладного искусства эпохи модерна в Париже был чех Альфонс Муха. Родился он в 1860 г. в Иванчицах, в Южной Моравии, а в 1900 г. он издал «Documents decoratifs», являющийся в известном смысле словарем элементов нового течения в искусстве. Он и стал основой творчества в стиле модерн. Творчество Мухи со временем становилось все более многосторонним — от афиш, через мебель, ювелирные и кованые изделия к посуде, сервизам и кружевам. Во всех его работах проявляется неисчерпаемая изобретательность и легкость. Он достиг такой известности, что его имя стали использовать как международный термин — стиль Мухи. Безусловно, заслуга Мухи была и в том, что Прага стала одним из мировых центров международного искусства в стиле модерн.

Из чешских архитекторов, работавших главным образом дома, наибольшей известности достиг Нозеф Фанта, создатель здания одного из самых крупных вокзалов того времени — сегодняшнего Главного вокзала в Праге.

Одним из великих деятелей чешского модерна, который, следуя принципу единого произведения искусства, наряду со своим основным профилем — скульптурой — занимался также созданием эскизов мебели, дверей и кованых изделий, был Франтишек Билек. В своем пражском особняке он собрал в едином ансамбле произведения всех видов изобразительного искусства. Главная тема — символ хлебного поля — пронизывает все здание от плана до отдельных деталей интерьера, ему подчиняются и кованые изделия.

В связи с художественной ковкой стиль модерн можно рассматривать как период, из которого кузнечное дело извлекло долговременную пользу. Снова проявился интерес к совершенству техники изготовления изделия, снова стали цениться изобретательность и мастерство ручной работы. Исполнители эскизов в стиле модерн состязались в точности обработки, тонкой выразительности и прежде всего в верном воспроизведении деталей природы.

В период модерна благодаря увлечению прикладным искусством и в художественной ковке возродилось уважение к наковальне, огню и руке, вооруженной кувалдой. Ведь только таким способом можно выразить в мелких изделиях оригинальные замыслы художников, касается ли это кованых вспомогательных деталей, решеток интерьера или экстерьера или некоторых видов ювелирных изделий. В кузнечные работы с использованием нагрева вошла и отделочная чеканка на листе, этим способом выполняли такие пластические работы, которые ранее можно было получать только литьем.

Появляются новые мастерские, например, мастерские Халлера, Фалтуса, Коутника; они не только работают по заказам частных лиц, но снова начинают выполнять общественные работы более крупного масштаба. Выполняются проекты городских зданий архитекторов Ф. Котеры и Ф. Поливки, например в Праге здания Земельного банка и Промыслового банка.

На новом этапе развития ремесла не осталось без внимания и обучение молодых. Для дальнейшего развития кузнечного дела имеет несомненное значение школа кузнечно-слесарного искусства в Градце Краловем, где работают и заботятся о подготовке молодых специалистов учителя, например М. Оэхм и Л. Ханел.

В кузнечное ремесло возвращаются традиционные способы обработки. Они подчиняются новым задачам в стремлении достичь как можно более совершенной выразительности. Все чаще начинают использовать сварку, клепку, пайку и продевание, а материал всех сечений и профилей обрабатывают исключительно в нагретом состоянии. С целью усиления художественного впечатления все чаще используют в комбинации различные металлы — медь, латунь или бронзу, но только не литые, а кованые. Эти более дорогие дополнения служат главным образом для украшения, так как основа остается железной.

Революционные перемены, которые внес модерн в искусство, отвергнув академизм и историзм XIX в., открыли дорогу дальнейшему развитию современного искусства. Разрушение границы между так называемым высоким искусством и искусством прикладным оживило художественный промысел до такой степени, что он становится неотделимой частью изобразительной культуры. И хотя модерн в последующие годы был вначале отвергнут, а затем снова стал предметом восхищения, его наследство остается неопровержимым фактом, и в поисках новых технических достижений, непривычных воздействий, в стремлении к оригинальности и эксперименту он перешагивает через художественные течения прошлых лет непосредственно в современность.

Стиль модерн, он же Ар Нуво, однозначно является моим самым любимым стилем. Более того, дизайн моего сайта по всем признакам выполнен именно в стиле Ар Нуво, как оказалось. Это и синий цвет, и растительные орнаменты, и насыщенность композиции, и обилие плавных линий. Модерн очень интересный стиль в плане прикладного применения в живописи, архитектуре, декоре интерьеров. Именно благодаря этой своей практичной особенности распространяться на смежные сферы искусства, модерн обрел сегодня второе рождение. По крайней мере, очень удобно оформлять среду проживания в одном стиле, начиная с ограды у входа и заканчивая обложкой книги.

(от фр. moderne — современный) — художественное направление в искусстве. Представителей модерна объединяло антиэклектическое движение — стремление противопоставить свое творчество эклектизму предыдущего периода. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), элементам прикладного искусства.

В разных странах стиль модерн назывался по-разному: в США — тиффани (по имени Л. К. Тиффани), во Франции — Ар Нуво (фр. art nouveau, новое искусство), в Германии — югендстиль (нем. Jugendstil, молодой стиль), в Австрии — стиль Сецессион (Secessionsstil), в Англии — модерн стайл (modern style, современный стиль), в Италии — стиль либерти, в Испании — модернизмо, в Нидерландах — Nieuwe Kunst, в Швейцарии — еловый стиль (style sapin).

Период Модерна относительно короток, имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х и до 1914 года, начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило стремительное переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. Главным содержанием периода модерна стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, синтезу различных источников.

Художники модерна использовали в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусства этрусков и французского Рококо. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент. Стремление к целостности, пластичности внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции, динамика и текучесть форм и есть отличительные особенности стиля Модерна.

Представители стиля модерн стремились к рациональному стилистическому единству, чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве. В модерне присутствует декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры. И было не важно, предназначался ли такой декор для книжной обложки или же для фасада здания.

У истоков французского модерна стояли Поль Гоген и художники его круга. Также наиболее известным мастером Ар Нуво во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Важную роль в развитии Ар Нуво во Франции сыграли архитектор Эктор Гимар, ювелир Рене и художник по стеклу и мебели Эмиль Галле. Значительное место в искусстве Ар Нуво принадлежит известным бельгийским архитекторам Анри ван де Велде и Виктору Орта. В Испании архитектор Антонио Гауди отличался наиболее индивидуальным и оригинальным вариантом Ар Нуво.

В Великобритании черты, характерные для нового стиля, появились в оформлении книг уже с начала 1880-х. Одним из наиболее известных художников-графиков Ар Нуво был Обри Бёрдсли , его эксцентричные рисунки иллюстрировали литературные произведения. Одним из ведущих представителей модерна в Великобритании был Ч.Р.Макинтош, шотландский архитектор и дизайнер, выполнявший самые разные художественные работы – от архитектурных проектов до эскизов обоев и изделий из серебра. Творчество Макинтоша оказало огромное влияние на развитие европейской архитектуры и искусства.

В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.

, Франц фон Штук, Макс Курцвайль, Александр Бенуа, .

Стиль модерн достиг высшей точки своего развития на рубеже 19–20 веков, но вскоре был забыт – ведущие архитекторы стремились теперь к простоте и ясности форм и проявляли больше интереса к машинным технологиям, чем к ручной работе. Богатый декор 1890-х годов уступил место геометрическим, ничем не украшенным поверхностям зданий начала 20 века. Ар Нуво вышел из моды и был открыт заново только пятьдесят лет спустя.

На этом сайте Вы можете купить гравийный щебень с быстрой доставкой!

Оцените статью
Добавить комментарий